Die 10 besten animierten Actionfilme aller Zeiten

Cartoons sind großartig! Actionfilme sind großartig! Aber was ist mit Zeichentrickfilmen, die auch Actionfilme sind? Der beste! Aber wie zum Teufel schränkt man eine so breite Kategorie auf nur 10 ein? Tolle Frage, und ich habe versucht, sie selbst herauszufinden. Und hier ist, was ich habe: Dies sind die 10 besten animierten Actionfilme aller Zeiten oder zumindest eine nicht endgültige, aber sorgfältig zusammengestellte Liste von 10 animierten Actionfilmen, die Ihre Aufmerksamkeit verdienen, in keiner bestimmten Reihenfolge.

Im wahrsten Sinne des Wortes ist die Idee einer animierten Aktion grundsätzlich überflüssig: Aktion ist belebt und Animation ist aktiv. Aber um dieser Liste willen beschränken wir uns auf Filme, wie etwa Spielfilme, in denen dank der Magie der Animation eine beträchtliche Menge rasanter, aufregender Dinge passiert.

Oh, und lassen Sie uns etwas gleich vorwegnehmen: Diese Liste könnte, und je nachdem, wen Sie fragen, wahrscheinlich zu 100 % aus japanischem Anime bestehen. Im Westen geht ein Großteil der Unterhaltungsindustrie davon aus, dass Zeichentrickfilme etwas für Kinder sind und Actionfilme gewalttätig sind. Und da Kinder keine gewalttätigen Filme sehen sollten, gibt es keinen Grund, animierte Actionfilme zu machen – und das ist offensichtlich der Fall nicht wahr. Also ja, Akira und Prinzessin Mononoke und Ghost in the Shell stehen auf dieser Liste, aber ich wollte hier eher einen abwechslungsreichen Ansatz verfolgen.

Trotz der Tatsache, dass sich „Cartoon“ auf eine sequentielle Illustration auf der gedruckten Seite oder in animierter Form beziehen kann, verfolgen die meisten „Comic-Filme“ den Weg der Realverfilmung. Im Laufe der Jahre haben etliche Filme verschiedene Comic-Stile nachgeahmt: Warren Beatty erhöhte die Sättigung in „Dick Tracy“, um die Atmosphäre von vierfarbigem Zeitungspapier einzufangen, während Robert Rodriguez mit „Sin City“ das Gegenteil tat und die kontrastreichen monochromatischen Tinten von Frank Miller nachahmte. Für „Scott Pilgrim vs. the World“ wählte Edgar Wright die Gedankenblasen aus , Geschwindigkeitslinien und sichtbare Soundeffekte aus Bryan Lee O'Malleys erfolgreichem kanadischen Manga. Ein Film stellt sie jedoch alle in den Schatten: Spider-Man: Into the Spider-Verse.

Dieser Film nutzte das natürlich kinetische Medium der Animation und verlieh jedem einzelnen Bild das visuelle Flair, das Superhelden auf der gedruckten Seite überhaupt erst zum Leben erweckte; „Into the Spider-Verse“ sieht aus, als wäre es mit Comic-Strahlen bombardiert worden … oder von einem radioaktiven Comic-Buch gebissen worden, obwohl das nicht so clever klingt.

Hätte „Spider-Verse“ einen konventionelleren Kunststil gehabt, wäre es immer noch ausgezeichnet gewesen – es webt gekonnt eine fesselnde Geschichte rund um das Multiversum, mehrere Helden und eine Handvoll neu gemischter Bösewichte. In Superheldenfilmen war es schwierig, dies zu erreichen, obwohl sie bewährte Charaktere verwendeten, aber Spider-Verse schaffte dies, während er gleichzeitig dem Publikum mit Miles Morales einen ganz neuen Spider-Man vorstellte und ihn begeisterte. Es ist äußerst selten, einen Film zu finden, der so anmutig zwischen actiongeladen, traurig, herzlich und zum Lachen witzig wechselt, ohne ins Stocken zu geraten oder völlig ins Stocken zu geraten. Aber „Into the Spider-Verse“ sprang nicht nur narrativ zwischen den Dimensionen hin und her, sondern tat dies auch visuell und verwischte die Grenzen zwischen 2D- und 3D-Animation, um etwas mit einem wirklich einzigartigen Aussehen zu schaffen.

Toy Story, der erste computeranimierte Spielfilm, revolutionierte die Animationsindustrie im Handumdrehen mit einem sorgfältig gerenderten Cowboyhut. Fast 30 Jahre später müssen selbst die überzeugtesten 2D-Cel-Animations-Puristen zugeben, dass CG seine schwierigen Teenagerjahre hinter sich gelassen hat, es aber auch so aussah, als ob es in gewisser Weise ein Plateau erreicht hätte. Computeranimation ist zu praktisch allem fähig, aber für einen Moment schien es, als würden die meisten Studios, einschließlich Pixar, auf Nummer sicher gehen.

Zum Glück schien Sony Pictures Animations Interpretation des legendären Wall-Crawlers genau der Biss zu sein, den das Medium brauchte. Der Nachfolger des Studios, „The Mitchells vs. the Machines“, war ebenso dynamisch, wenn auch konventioneller für die ganze Familie, und „Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch“ von Dreamworks verpasste dem Shrek-Kumpel einen frischen Anstrich. Auf der anderen Seite des Pazifiks ging Dragon Ball Super: Super Hero den 3D-CGI-Weg. Dies war eine kontroverse Entscheidung, wenn man bedenkt, dass Gokus 20 vorherige Film- und 639 Fernsehauftritte die Dinge konventionell flach hielten. Der neue Look verärgerte einige Fans, ermöglichte aber auch einige phänomenale Kampfszenen und subtilere Schattierungen, die an Akira Toriyamas Manga-Cover erinnerten.

Derzeit im Schatten wartend, scheint Nickelodeons Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem zu gleichen Teilen aus Eastman und Laird und Notizbuchkritzeleien der achten Klasse zu bestehen. Das Beste von allem ist, dass Mile Morales in „Spider-Man: Across the Spider-Verse“ zurückkehrt und sich in mehrere Dimensionen begibt, jede mit ihrem eigenen einzigartigen Kunststil … und das ist nur die erste von zwei angekündigten Fortsetzungen.

Es ist überraschend, dass es nicht mehr animierte Superheldenfilme gab. Into the Spider-Verse war nach Big Hero 6 erst der zweite animierte Marvel-Film, der in die Kinos kam. DCs schnitt etwas besser ab, mit Batman: Mask of the Phantasm und neuerdings auch mit The LEGO Batman Movie und Teen Titans GO! To the Movies, aber das ist erbärmlich im Vergleich zu der Anzahl der Realverfilmungen von Comicbüchern, die wir bekommen haben. Wir hoffen, dass die Spider-Verse-Fortsetzungen den Weg für mehr ebnen.

Was macht zu diesem Zeitpunkt Live-Action aus? Wenn man bedenkt, wie viel CGI in einem durchschnittlichen Blockbusterfilm des 21. Jahrhunderts steckt, handelt es sich bei vielen davon im Grunde genommen um animierte Features mit einem Schuss Fleisch und Blut. Andererseits geht es in beide Richtungen. Dank der Performance-Capture-Technologie haben wir gesehen, wie menschliche Schauspieler die Rollen animierter Charaktere physisch spielten. Einer der besten Actionfilme, die diesen Ansatz verfolgen, ist ein frustrierend unterschätzter Popcornfilm, der in herkömmlichen Live-Actionfilmen nicht annähernd so viel Spaß gemacht hätte.Die Abenteuer von Tintin.

Die Aufnahme dieses Films in diese Liste könnte ein paar Augenbrauen hervorrufen, aber hören Sie mir zu: Steven Spielbergs Adaption der beliebten belgischen Comics aus dem Jahr 2011 könnte mit einem Bein in der Realverfilmung gestanden haben, und seine quasi-realistische CGI-Besetzung könnte auf der Kippe stehen Das unheimliche Tal, aber es ist auch eine perfekte Demonstration dafür, wie viel höher die Obergrenze für Animationen im Vergleich zu Live-Action ist. Darüber hinaus zeigt es, wie der richtige visuelle Stil seinen Beitrag leisten kann, wenn es darum geht, den Unglauben aufzuheben.

Es gibt ein Universum, in dem Spielberg beschlossen hat, den Film „Tim und Struppi“ in Live-Action zu drehen, aber es gibt auch eines, in dem es wegen übertriebener Action-Versatzstücke, die sich zu stark auf CGI verlassen haben, lächerlich gemacht wurde – Sie wissen schon, irgendwie „Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels“, das Projekt des Regisseurs unmittelbar vor „Tim und Struppi“.

Zum Glück haben wir einen animierten „Tim und Struppi“ bekommen, der zu keinem Zeitpunkt „unrealistisch“ wirkt, weil die Glaubwürdigkeit zu keinem Zeitpunkt wichtiger ist als der Spaß. Stattdessen lehnt es sich stark an den Slapstick-Cartoonismus der Originalcomics an. Der Film hätte davon profitieren können, wenn die menschlichen Charaktere mit etwas weniger realistischen Details wiedergegeben würden, aber sie wirken größtenteils wie Karikaturen – übertriebene Annäherungen an Menschen und nicht an echte Menschen. Sie wissen schon, Zeichentrickfiguren. Der Film beginnt buchstäblich damit, dass Tim und Struppi seine Karikatur von einem Straßenkünstler zeichnen lässt.

Niemand zuckt mit der Wimper, wenn eine Zeichentrickfigur ein stotterndes Flugzeugtriebwerk ankurbelt, indem sie Whisky-Atem in den Benzintank spuckt, oder wenn sich zwei Zeichentrickfiguren mit riesigen Frachtkränen duellieren, sondern ein echter Mensch, der mit CGI-Affen auf Ranken schwingt oder eine Atomexplosion überlebt im Kühlschrank ist etwas schwieriger zu verkaufen. Wirklich, „Tim und Struppi“ ist ein starkes Argument für einen animierten Indiana-Jones-Film, und wenn nichts anderes, ist es ein verdammt guter Actionfilm, der den Charme eines beliebten Comics erfolgreich in ein neues Medium überträgt und gleichzeitig ehrgeizige neue Dinge mit revolutionärem Filmemachen ausprobiert Technologie.

Wenn wir nur die anderen zwei Drittel der Tim und Struppi-Trilogie bekommen könnten, die angeblich in Arbeit waren. Ich möchte diesen jungen Reporter und seinen betrunkenen Freund auf dem Mond oder auf dem Grund des Ozeans sehen.

Moderne Hollywood-Actionfilme wären ohne den Einfluss von „Matrix“ wahrscheinlich nicht das, was sie heute sind, und „Matrix“ würde nicht existieren, ohne den starken Einfluss eines zweifellos der besten Anime-Filme aller Zeiten: „Ghost in the Shell“.

„Ghost in the Shell“, der Film, ist eine erhabene Mischung aus Stil und Inhalt. Der gleichnamige Manga wurde von Masamune Shirow geschrieben und illustriert, dessen Visuals, bei allem Respekt, sein Storytelling deutlich überwiegen – und das im wahrsten Sinne des Wortes. Er hat weit mehr Artbooks als narrative Mangas veröffentlicht. Und ich weiß, dass Kunstbücher schwerer sind, weil sie auf besserem Papier gedruckt sind, aber arbeiten Sie hier mit mir zusammen.

Der Manga „Ghost in the Shell“ enthält ein paar sehr detaillierte, technisch komplexe Cyberpunk-Illustrationen, verfällt aber hin und wieder in komödiantische Skizzenhaftigkeit. Diese Art von Tonelastizität ist in Mangas oder Animes keine Seltenheit, aber einer der Gründe, warum der Film „Ghost in the Shell“ so hochgeschätzt wird, ist, wie sehr er sich in jedem einzelnen Bild dem Realismus verschrieben hat.

Nehmen Sie zum Beispiel Kusanagis Kampf mit dem Tachikoma: Ein sexy Cyborg, der gegen einen riesigen Roboter-Spinnenpanzer kämpft, ist ein so großartiges Anime-Ass-Konzept, dass einige Geschwindigkeitslinien, Standbild-Actionaufnahmen und cool aussehende Lens Flare-Effekte fast zu erwarten sind. Aber der ganze Kampf hat das Gewicht der praktischsten Stuntsequenz im wirklichen Leben. Überall fliegen viele Kugeln, Trümmer und Funken, aber wenn man genau hinschaut, fliegen die Funken nur, wenn die Kugeln von Metalloberflächen abprallen.

Diese Liebe zum Detail ist gleichmäßig über den gesamten Film verteilt, bis hin zum Abspann – und wenn man die richtigen Bilder zieht, werden die Zahlenreihen, die vorbeifliegen, tatsächlich in die Namen übersetzt, die auf dem Bildschirm angezeigt werden, was wahrscheinlich eine ganze Menge war Arbeit für etwas, das niemand wirklich bemerkt hat. Unterdessen ist der Code in „Matrix“ angeblich aus zufälligem Text zusammengeschustert, den der Produktionsdesigner einem japanischen Kochbuch seiner Frau entnommen hat.

Man kann leicht auf „Ghost in the Shell“ als Beweis dafür verweisen, dass Cel-Animationen gut und CGI schlecht sind, aber der Film nutzte für bestimmte Sequenzen intensiv die neueste Technologie, aber immer als Werkzeug und nicht als Krücke: Bestimmte Aufnahmen wurden digital manipuliert um die Verzerrung, die ein Kameraobjektiv erzeugt, subtil nachzuahmen. Außerdem dreht sich der Film um die Schnittstelle zwischen Mensch und Technologie, sodass man sich kaum einen Film vorstellen kann, der sich besser für die Balance zwischen digitaler und analoger Animation eignet.

Ironischerweise war das Live-Action-Remake von Ghost in the Shell, in dem echte Menschen die Hauptrolle spielten, völlig frei von Menschlichkeit. Es wurde seinem Namensgeber auf völlig falsche Weise gerecht. Obwohl es mehrere ikonische Szenen originalgetreu nachbildete und einige technisch solide visuelle Effekte aufwies, rechtfertigte es seine eigene Existenz nicht. Während der Anime dem Manga mehr Dimension verlieh, war die Live-Action-Version etwa so knöcheltief wie eine überflutete Gasse in Hongkong – was nur zeigt, dass der Originalfilm mehr ist als die Summe seiner Teile.

Die Tatsache, dass Animation als zweitklassiges Medium gegenüber Realfilmen angesehen wird, ist besonders ärgerlich, wenn man bedenkt, dass Cartoons die ersten Kinofilme waren und die Form von Phenakistoskopen und Zoetropen annahmen, lange bevor Edison seinen Anspruch auf den Kinetographen geltend machte.

Performance-Capture – die digitale Art mit den mit Tischtennisbällen und Dreiecken bedeckten Overalls – ist eine neue Technologie. Das Grundprinzip, tatsächliche menschliche Bewegungen als Grundlage für Animationen zu verwenden, ist jedoch nicht der Fall. Es weist viele Ähnlichkeiten mit Rotoscoping auf, bei dem Live-Action-Darbietungen nachgezeichnet werden, um Animationen mit besonders realistischen Bewegungen zu erstellen. Auch wenn es wie Abstriche erscheinen mag, ist es wohl mehr Arbeit, als nur einen Film zu drehen oder nur einen Zeichentrickfilm zu animieren, da man im Grunde genommen einen ganzen Film drehen und dann über jedes Bild davon zeichnen muss. Warum nicht einfach Live-Action behalten? Mein Lieblingsbeispiel hierfür ist „Feuer und Eis“..

„Fire and Ice“, Ralph Bakshis epische Fantasy-Zusammenarbeit mit dem legendären Maler Frank Frazetta, hätte durchaus eine Live-Action-Version erhalten können. Schließlich machte sich Frazetta mit den Covern der Romane „Conan der Barbar“ einen Namen, und der Realfilm „Conan“ eroberte ein Jahr vor der Veröffentlichung von „Feuer und Eis“ die Kinoleinwand. Stattdessen bekamen wir ein animiertes Feature, das wie eine Mischung aus einem Hanna-Barbera-Cartoon und einem Manowar-Albumcover aussah. Ich... ich habe das eigentlich gut gemeint.

Die Geschichte hat die gleiche verschwommene Schwermut wie so viele Fantasyfilme der 80er Jahre, und die Animation ist nicht gerade atemberaubend, daher ist es nicht verwunderlich, dass sie selten als Klassiker ohne den Vorbehalt „Kult“ bezeichnet wird – aber es ist immer noch ein faszinierend ehrgeiziger Ansatz des Filmemachens. Dies war jedoch nicht Bakshis erster Ausflug in die epische Fantasy-Welt. Einige Jahre vor „Feuer und Eis“ verfolgte er bei „Der Herr der Ringe“ einen ähnlichen rotoskopischen Ansatz. Es war optisch viel weniger zusammenhängend und verzichtete oft vollständig auf Animationen zugunsten körniger, stilisierter Live-Action-Sequenzen. Einer der Gründe, warum ich das Bedürfnis verspürte, „Feuer und Eis“ ausdrücklich hervorzuheben, ist neben der Tatsache, dass es verdammt noch mal Metal ist, eine Anspielung auf Ralph Bakshi. Seine nicht jugendfreien Kulthits wie „Fritz the Cat“ und „Heavy Traffic“ sind keineswegs Actionfilme, aber sie ebneten den Weg für viele andere Filme auf dieser Liste, indem sie bewiesen, dass Zeichentrickfilme nicht nur etwas für Kinder sind.

Ähnlich wie „Into the Spider-Verse“ sich so authentisch anfühlt, als würde man einen Superhelden-Comic durchblättern, gibt es auch ein weiteres Stück Animation, das den Eindruck erweckt, als sei es den geheimnisvoll klebrigen Seiten einer anderen ikonischen Zeitschrift entsprungen: Heavy Metal.

Ähnlich wie das gleichnamige Magazin ist Heavy Metal eine Anthologie von Vignetten, die in völlig unterschiedlichen Ästhetiken und Tönen präsentiert werden. Der rote Faden ist ein allmächtiger Bösewicht/jenseitiger McGuffin, der Loc-Nar, der irgendwo zwischen dem Einen Ring und dem Kofferraum dieses Chevy Malibu aus Repo Man liegt.

Der Film ist keine direkte Adaption bestehender Geschichten, sondern größtenteils ein Sammelsurium von Ideen und Elementen aus allen Heavy-Metal-Themen. Das Magazin selbst war so etwas wie ein Remix einer anderen Veröffentlichung: Metal Hurlant, das von dem äußerst einflussreichen Comiczeichner Jean Giraud, alias Moebius, mitbegründet worden war.

National Lampoon hat einen Vertrag zur Veröffentlichung von Metal Hurlant in den USA abgeschlossen. Wie zu erwarten war, war eine Zeitschrift voller Cartoon-Dummköpfe in den USA riskanter als in Frankreich, sodass Heavy Metal seine Heimat eher in den schmutzigen Zeitschriften als im normalen Comic-Regal fand. Passenderweise wurde der Film von Ivan Reitman produziert, dessen großer Durchbruch „Animal House“ von National Lampoon war, und das ist wahrscheinlich der Grund, warum Heavy Metal einen so rauen und derben Ton hat. Wissen Sie, außerirdische Trucker, geäußert von Harold Ramis und Eugene Levy, saugen Weltraumkokain auf, weil sie enttäuscht sind, weil die üppige Erdenfrau beschlossen hat, statt ihnen den Roboter John Candy zu bumsen. Sexdrogen und Rock'n'Roll, nicht unbedingt in dieser Reihenfolge.

Wäre der Film eine französische Produktion mit Wurzeln in Metal Hurlant gewesen, hätte er wahrscheinlich einen ganz anderen Ton gehabt – wenn Moebius beteiligt gewesen wäre, hätte er vielleicht eher wie Fantastic Planet ausgesehen, und ich schätze, er hätte einen verträumten Soundtrack gehabt von Tangerine Dream oder Vangelis anstelle von Needle Drops von B-Seiten von Blue Öyster Cult und Cheap Trick.

Heavy Metal würde ohne Moebius nicht existieren und Alien oder Blade Runner auch nicht. Der Künstler lieferte unter anderem originelle Konzeptzeichnungen für Ridley Scotts genreprägenden Weltraumhorror. Während er an seinem Nachfolger „Blade Runner“ arbeitete, bezeichnete Scott Moebius‘ dystopische Stadtlandschaften als halbwörtliche Blaupausen.

Es ist verrückt, sich vorzustellen, dass Heavy Metal die Kinobesucher ein Jahr bevor „Blade Runner“ nach Los Angeles im Jahr 2019 entführte, auf eine Tour durch Manhattan im Jahr 2031 führte. Stoppen Sie mich, wenn Sie das gehört haben: Die Welt eines schroffen New Yorker Taxifahrers wird auf den Kopf gestellt, als ein wunderschöner und spärlich bekleideter Rotschopf in den Rücksitz seines Taxis stürzt, und er gerät bald in ein Netz aus Intrigen. Okay, das ist ein Standard-Film-Noir-Setup, aber der Harry-Canyon-Heavy-Metal-Abschnitt ist auch narrativ, vor allem aber optisch ein Schlag für Schlag mit The Fifth Element.

Das fünfte Element basiert auf einigen Werken von Moebius, nämlich The Long Tomorrow und The Incal. Moebius versuchte tatsächlich, Luc Besson zu verklagen, weil dieser dem Film „The Incal“ ähnelte, aber das scheiterte, wahrscheinlich weil er bereits für die Konzeptarbeit dafür bezahlt worden war. Das bedeutet nicht, dass „Das fünfte Element“ nicht schamlos abgeleitet ist, denn das ist es. Siehe auch: Die vierte Macht von Juan Gimenez.

Die einzige Heavy-Metal-Fortsetzung, die derzeit existiert, ist Heavy Metal 2000, und sie ist leider viel weniger interessant als die Fortsetzung, die es nie gegeben hat. In den späten Morgenstunden war die Rede von einem neuen Film, der angeblich die Talente der Filmemacher James Cameron, Zack Snyder und Gore Verbinski, des bekannten Metalheads Jack Black und des Ninja Turtles-Mitschöpfers und späteren Inhabers/Herausgebers des Heavy Metal-Magazins Kevin Eastman einbeziehen würde . Das Projekt sollte von Regisseur David Fincher und Tim Miller betreut werden, deren Arbeit an CGI-Trailern in den Blur Studios ihn zu einem idealen Kandidaten machte.

Leider löste sich auch diese auf, wie so viele andere Heavy-Metal-Supergruppen – aber David Fincher und Tim Miller bescherten uns einen der bisher besten spirituellen Heavy-Metal-Nachfolger: die originale Netflix-Anthologieserie „Love Death + Robots“. Heavy Metal ist wie der alberne Stoner-Cousin einiger der größten Science-Fiction-Filme aller Zeiten; Auf den ersten Blick hat es fast nichts mit Alien und Blade Runner gemeinsam, aber sie sind verwandt. Der Einfluss von Heavy Metal, dem Magazin und dem Film ist nicht zu unterschätzen. Ähnlich wie die Arbeit von Ralph Bakshi ist Heavy Metal teilweise dafür verantwortlich, den Grundstein für die Ankunft von Anime im Westen zu legen.

Aber natürlich wäre der Anime vielleicht nie in die Luft geflogen, wenn diese Grundlagen nicht durch die Ankunft von ... sofort vernichtet worden wären.

Akira war zum Zeitpunkt seiner Produktion der teuerste Zeichentrickfilm, der je produziert wurde, und er ist allein dafür verantwortlich, dass Anime zu dem globalen Phänomen geworden ist, das er heute ist. Ich könnte hier sitzen und darüber schwärmen, was für ein einzigartig brillantes Medienstück es ist und wie die Animatoren buchstäblich eine neue Farbpalette erfinden mussten, um es zum Leben zu erwecken, oder wie praktisch jedes Bild voller Details ist und wenn man es sich ansieht In 4K kann man tatsächlich die Spirituosen hinter der Bar oder die Alben in der Jukebox erkennen ... Aber konzentrieren wir uns auf das, was Akira auf den ersten Blick ist: ein verdammt großartiger Actionfilm, der zufällig animiert ist.

Die Handlung des Films könnte als manisch beschrieben werden, was nicht verwunderlich ist, wenn man bedenkt, dass der Manga, der ihn inspiriert hat, satte 2000 Seiten umfasst. Der Film adaptiert größtenteils die ersten beiden Bände und streicht fast leichtsinnig eine ganze Reihe von Charakterentwicklungen und Kontextinformationen. Aber sie tut dies aggressiv und priorisiert scheinbar das Handeln. Im Film werden Charaktere, die ganze Handlungsstränge im Manga haben, brutal auf der Leinwand beseitigt, ohne eine Zeile zu sagen, fast so, als würden sie aus einem fahrenden Fahrzeug geworfen, damit es schneller fahren kann. Dies könnte sich wie ein Affront gegen das Ausgangsmaterial anfühlen, wenn nicht Katsuhiro Otomo, der Zeichner und Autor des Mangas, auch bei dem Film Regie geführt hätte. Stattdessen wirkt der Film wie ein Künstler, der ein anderes Medium wirklich voll ausnutzt. Keine noch so großen Geschwindigkeitslinien können ein Gefühl von Geschwindigkeit vermitteln wie etwas, das sich tatsächlich sehr schnell bewegt, und trotz aller Bemühungen sind die Geräuscheffekte auf einer gedruckten Seite stumm.

Der Film ist natürlich alles andere als stumm – und seine Bilder werden durch den atemberaubenden Soundtrack unterstrichen. Otomo hatte nicht nur eine klare Vorstellung davon, wie das futuristische Tokio aussah, er wusste auch, wie es klingen sollte – oder zumindest hatte er die richtigen Leute für den Job. Akiras Partitur wurde von Geinoh Yamashirogumi zur Verfügung gestellt, einem Musikkollektiv bestehend aus Hunderten von Mitgliedern unterschiedlichster Herkunft, deren Auftritte Elemente alter Volksmusik mit moderner Technologie und Einflüssen kombinierten. Das Endergebnis ist etwas, das sowohl tribal als auch futuristisch klingt, völlig jenseitig – für Biker-Gangs, die sich um Territorien streiten, ebenso passend wie für eine apokalyptische Katastrophe.

Wie bei Blade Runner ist auch Akiras Zukunftsvision so einflussreich, dass sie offenbar häufiger gewürdigt als entlehnt wird. Der sogenannte „Akira Slide“ ist für Animatoren so geworden, wie es für Sounddesigner der Wilhelm Scream ist, und Kanedas ikonisches Ausrutschen zum Stillstand wurde Dutzende Male gemacht, nicht nur in Anime- und Action-Cartoons oder auch nur mit Zweirädern Fahrzeuge – Es kommt in allem vor, von Pokémon bis Paw Patrol. Pixar erntete dafür in „Luca“ ein Nicken, und Jordan Peele verpasste ihm in „Nope“ sogar die Realverfilmung – das sagte er auch, als er gefragt wurde, ob er die Leitung des Live-Action-Films „Akira“ inszenieren wollte, der in Hollywood für Aufsehen sorgt, seit ich im zweiten Jahr war auf der Hochschule.

Apropos schwierige Gründungsjahre: Anfang bis Mitte der 90er Jahre begann Anime aus den dunklen Tiefen von Geschäften wie Suncoast Video und Tower Records in den Mainstream zu dringen. Dort findet man normalerweise ein Regal mit etwas namens „Japanimation“, eine Wand voller mysteriöser Kassetten, von denen viele mit Phrasen wie „Elternratschlag empfohlen“ oder „Für älteres Publikum“ geschmückt waren. Das machte sie natürlich umso verlockender für die aufstrebende Proto-Weeaboo-Community. Im Nachhinein sind viele der Filme, die diese Regale säumten, wahnsinnig schlecht, und selbst abgesehen von der erbärmlich niedrigen Messlatte für die Synchronisation in englischer Sprache zu dieser Zeit ist es offensichtlich, dass viele amerikanische Verleiher die Rechte an jeder Blase-Ära an sich gerissen haben OVA, die genug Blut und Tölpel enthielt, um die Bezeichnung „ERWACHSENE“ zu rechtfertigen – aber es gab viele Ausnahmen. „Akira“ und „Ghost in the Shell“ sind beide herausragende Filme für sich, egal ob Anime oder nicht, aber wenn es einen Film gibt, der besonders repräsentativ für den frühen Anime-Zeitgeist wirkt, dann ist es „Ninja Scroll“.

Im Kern handelt es sich um eine feudale japanische Dark-Fantasy-Geschichte, deren Schauplatz und Handlung dem Stil untergeordnet sind und die wirklich vor Stil strotzt. Okay, vielleicht ist Schwärmen das bessere Wort – aber trotzdem sind die Kampfszenen brutal, erfreulich grausam und vor allem einfallsreich. Im Vergleich zu einem Kampfkunstfilm mit Live-Action sind die Möglichkeiten eines animierten Films praktisch grenzenlos, und Ninja Scroll verschiebt diese Grenzen.

Ninja Scroll ist die Idee von Yoshiaki Kawajiri, und alles, was ich gerade gesagt habe, gilt auch für seine anderen Werke wie Vampire Hunter D, Wicked City und Demon City Shinjuku, die alle ein vergleichbares Maß an ästhetisch ansprechenden, ausbeuterischen Themen aufweisen. So schön es auch ist, wenn Animationen verwendet werden, um die Schönheit der Natur und die subtilen Nuancen komplexer Charaktere darzustellen, manchmal möchte man einfach nur einen guten, altmodischen Kickass-Anime-Film mit extrem gewalttätigen Kämpfen, ekligen Monstern und vielleicht etwas Sexy Damen und/oder Jungs.

Hayao Miyazaki, der mürrische Pate des japanischen Animationsfilms, äußerte sich harsch über die allgegenwärtigeren Tropen im Anime und seine Arbeit tendiert typischerweise in eine gewaltfreie Richtung. Viele seiner Filme schaffen es, Konflikte ohne einen konventionellen Bösewicht zu zeigen. In „Mein Nachbar Totoro“ ist der Bösewicht entweder Tuberkulose oder die Ziege, die versucht, Mais Mais zu fressen.

Allerdings enttäuscht Miyazaki nicht, als er sich dazu entschließt, an der Aktionsfront mitzuspielen. Sein Spielfilmdebüt „The Castle of Cogliostro“ legte die Messlatte für die zahlreichen darauffolgenden Lupin III-Adaptionen extrem hoch. Sein postapokalyptisches Hauptwerk „Nausicaa: Das Tal des Windes“ ist ein eigenständiges Epos, sowohl als 1100-seitiger Manga, den er selbst geschrieben und gezeichnet hat, als auch als Spielfilmadaption, bei der er Regie führte. Oh, und eine lustige Tatsache: Miyazaki war so gut mit Moebius befreundet, dass der französische Künstler seine Tochter tatsächlich Nausicaa nannte. Vielleicht hat Miyazaki eine Dosenschildkröte namens Arzach oder so. Aber was die Action angeht, ist Prinzessin Mononoke das beste Werk von Studio Ghibli.

Es ist ein visuell atemberaubendes Fantasy-Epos, das in der japanischen Muromachi-Zeit spielt und ähnliche Themen wie viele andere Filme von Miyazaki hat: von glaubwürdigen menschlichen Charakteren, die mit skurriler Folklore kontrastiert werden, bis hin zu einer spürbaren Verehrung der Natur, vom kleinsten Grashalm bis hin zu jeder Wolke, die über das perfekte Studio schwebt Ghibli blauer Himmel. Aber „Prinzessin Mononoke“ steckt auch voller intensiver Kampfszenen, epischer Schlachten und einiger wirklich grausamer Momente. Es ist selten, einen Film zu finden, der eine so gute Balance zwischen Schönheit und Horror schafft.

Anekdotisch ist es erwähnenswert, dass Prinzessin Mononoke einen ziemlich großen Einfluss auf einige der besten Videospiele aller Zeiten gehabt zu haben scheint. Die Legende von Zelda: Breath of the Wild wurde mit einem Helden in einer blauen Tunika enthüllt, der zu Pferd gegen eine Monstrosität mit Tentakel kämpfte, und verdorbene Wildschweine sind ein häufiges Problem. Die Kodama-Baumgeister sind wahrscheinlich entfernte Cousins ​​von Hyrules unzähligen Koroks, und natürlich erhält Link in „Tears of the Kingdom“ neue Kräfte aus seinem besessenen Unterarm.

Das magische, standhafte Reittier Torrent von Elden Ring ist ein echter Hingucker für Yakul, den roten Elch, und das Elden-Biest hat eine biolumineszierende mythologische DNA, die der endgültigen Form des Waldgeists sehr ähnlich ist. Dies könnte alles Zufall sein, wie zum Beispiel die Tatsache, dass Elden Ring von einem anderen Miyazaki inszeniert wird – Hidetaka, kein Verwandter – oder es könnte ein Beweis dafür sein, welch großen kulturellen Einfluss Hayao Miyazakis Film hatte.

„Prinzessin Mononoke“ scheint ein besonders wichtiges Stück Animation zu sein, da sich der Anime von etwas in der hinteren Ecke von „Suncoast Video“ zu etwas an der Spitze der Mainstream-Popkultur entwickelt hat. Zu einem kleinen Teil ist dies darauf zurückzuführen, dass seine Schöpfer eine gewisse Aufsicht über den Vertrieb im Westen hatten.

Der Legende nach traf sich der Hollywood-Produzent Harvey Weinstein mit Hayao Miyazaki, um die Veröffentlichung des Films in den USA zu besprechen, und bombardierte den Animator anschließend mit Forderungen, Änderungen vorzunehmen, um das amerikanische Publikum anzusprechen. Als Reaktion darauf brachte Studio Ghibli-Mitbegründer Toshio Suzuki Weinstein eine Replik eines Samuraischwerts als Geschenk. Als er es ihm in einem Raum voller Miramax-Vorstandsmitglieder überreichte, erklärte er lautstark: „KEINE Kürzungen.“ Die Moral der Geschichte: Totoro und Ponyo täuschen vielleicht darüber hinweg, dass sie Miyazaki und Co. freundlich gegenüberstehen, aber Prinzessin Mononoke und die Bedrohung von Harvey Weinstein mit einem Katana sind der Beweis dafür, dass Studio Ghibli nicht herumspielt.

In der Popkultur ist der Begriff „Action“ meist gleichbedeutend mit Gewalt, seien es Schwertkämpfe, Schießereien, Explosionen, Faustschläge usw. – aber es gibt auch Geschwindigkeit, die möglicherweise die reinste Form von Action im Filmemachen darstellt. Edward Muybridges „Das Pferd in Bewegung“ ist zweifellos der erste Film, der jemals gedreht wurde – und er vermittelt ein Gefühl von Geschwindigkeit. Es war nur ein Kerl, der auf einem Pferd ritt, aber im Vergleich zu einigen seiner dösenden Zeitgenossen, zu denen Teleskopaufnahmen des Planeten Venus und von Weißen gehörten, die versuchten, in einem Garten zu tanzen, war das ein Nervenkitzel ohne Ende.

Es macht Spaß, Geschwindigkeit anzusehen, und Verfolgungsjagden sind in Actionfilmen praktisch allgegenwärtig. Von frühen Beispielen wie „Bullitt“ und „The French Connection“ bis zu modernen Spritfressern wie „Mad Max: Fury Road“ und dem produktiven und im wahrsten Sinne des Wortes „Fast“ betitelten Franchise: Verfolgungsjagden führen eindeutig nirgendwo hin … Ich meine, das tun sie, sonst würden die Autos es tun Seien Sie stationär, aber Sie verstehen, worauf es ankommt.

Bei einer Verfolgungsjagd müssen nicht unbedingt Autos anwesend sein oder sich sogar gegenseitig verfolgen; Es braucht nur ein paar Dinge, die sich schnell in die gleiche Richtung bewegen, wie zum Beispiel das Pod Race von The Phantom Menace. Geschwindigkeit glänzt besonders in Animationen, sei es Wile Etherbert Coyotes komischer und fruchtloser Kreuzzug, um diesen gottverdammten Road Runner zu ermorden, oder Speed ​​Racer, der seinem karrierebestimmenden Namensvetter alle Ehre macht, indem er schnell Rennen fährt. Wenn Sie alle Beispiele für großartige Hochgeschwindigkeits-Action kombinieren würden, die ich gerade namentlich überprüft habe, hätten Sie Redline.

Takeshi Koikes Spielfilmdebüt aus dem Jahr 2009 zeigt, wie es aussieht, wenn die Animation – wenn Sie mir den Ausdruck verzeihen – auf Hochtouren läuft. Die Handlung ist so absurd übertrieben, dass die Handlung aus reiner Dynamik völlig in den Hintergrund gedrängt wird. Der Schwerpunkt liegt auf intergalaktischen Rennen und den kriminellen Einmischungen und politischen Intrigen, die sich abseits der Rennstrecke ereignen. Der Spaß liegt in der Reise, nicht im Ziel. Wenn Sie also enttäuscht waren, dass der Ausflug von Fast and Furious ins All nur eine Testfahrt mit dem Pontiac Fiero war, oder wenn Sie gebetet haben, dass Lucasfilm Watto & Sebulba: A Star Wars Story ankündigen würde, dann ist dies Ihr Film. Redline ist ein absolut verrücktes Meisterwerk.

Während wir uns mit diesem Thema befassen, hier ist ein unglaublich esoterisches Detail, das ich ans Licht bringen muss: Eines der Autos der Hauptcharaktere hat Ähnlichkeit mit HR Gigers unbenutzter Konzeptzeichnung für das Batmobil „Batman Forever“, über die ich normalerweise schreiben würde Es ist ein Zufall, wenn da nicht die Tatsache wäre, dass sie dieses Auto benutzt, um ein anderes Auto von der Straße zu lenken, was zweifellos eine Anspielung auf das Batmobil von 1995 ist. Auch? Takeshi Koiki hat mit Gotham Knight einen der besseren Kurzfilme zur Batman-Ime-Anthologie beigesteuert.

Das am wenigsten Schnelle an Redline waren die sieben Jahre, die bis zur Herstellung gedauert haben. Produziert von Madhouse, dem Studio, das uns Ninja Scroll geschenkt hat, ist es vor allem deshalb so wahnsinnig lustig anzusehen, weil es überwiegend handgezeichnet ist. Für die Produktion von „Redline“ waren über 100.000 Cels erforderlich, gepaart mit modernen digitalen Techniken. Nach all der Arbeit war es natürlich ein kommerzieller Flop. Deshalb können wir keine schönen Dinge haben.

Es wurde genug darüber gesagt, wie sehr Pixars Einsatz von Computeranimationen die gesamte Animationsbranche revolutionierte und Disney Konkurrenz machte. Ähm, das wäre es gewesen, wenn Disney das Unternehmen nicht sofort übernommen hätte. Im Allgemeinen haben Pixar-Filme einen einfachen, konzeptionellen Aufhänger wie „Was wäre, wenn Spielzeug zum Leben erwachen würde, wenn niemand hinschaut“, oder „Was wäre, wenn Fische nachlässige Eltern wären“ oder „Was wäre, wenn ein Film mit einem sprechenden Hund erwachsene Männer unkontrolliert zum Weinen bringen würde“, aber der erste Superheldenfilm des Studios ist es, was ihm einen Platz auf dieser Liste einbringt, mitDie Unglaublichen.

Die Unglaublichen kamen zu einer Zeit, als wir nicht alle 10 Minuten ein neues davon bekamen, und es ist nach wie vor schwer zu toppen. Bis heute bin ich der Meinung, dass dies der beste Watchmen-Film und der beste Fantastic Four-Film ist, den wir je gesehen haben. Er erforscht die verletzliche menschliche Seite einer übermächtigen Familie in einer Gesellschaft, in der Verbrechensbekämpfung verboten ist.

Rorschach verstümmelt vielleicht nicht einen Mann mit Frittieröl, aber seine Actionsequenzen sind mit jedem großen Blockbuster-Cape-Film vergleichbar – und stellen sie in vielen Fällen sogar in den Schatten, denn obwohl er zu 100 % CGI ist, ist jede noch so kleine Bewegung in „Die Unglaublichen“ so Gewicht dazu. Sogar die banalen Momente werden bewusst mit einem Maß an spürbarem Realismus choreografiert, der wiederum die größeren Spektakel verkauft. Bob Parrs Handgemenge mit seiner Economy-Limousine ist eine großartige Slapstick-Vignette, die seine Superkräfte auf komische Weise einer sehr tödlichen Frustration gegenüberstellt, aber sie zeigt auch, wie stark er im Verhältnis zu Objekten ist, mit denen wir alle vertraut sind, also wenn er die Scheiße ausprügelt Wie ein riesiger Roboter hat er eine Schwerkraft. „Die Unglaublichen“ ist überraschend glaubwürdig.

Schlechte Superhelden-Action hat die Tendenz, sich wie ein Kind zu fühlen, das ein paar Actionfiguren zusammenschlägt, um sie zum Kämpfen zu bringen. Daher ist es nicht verwunderlich, dass das Studio, das herausgefunden hat, wie man Spielzeuge zum Leben erweckt, auch einen soliden Familienfilm drehen konnte hatte eine Menge geschickt choreografierter Actionsequenzen. Ebenso wenig überraschend ist es, dass Brad Bird, Regisseur von „Die Unglaublichen“, sein Talent für rasante Sequenzen und atemberaubende Versatzstücke in der Live-Action von „Mission: Impossible – Ghost Protocol“ einsetzen konnte und damit die Serie zum Blockbuster-Popcorn-Mega-Franchise machte, das sie heute ist. Dennoch sind Tom Cruises aufwendigste und möglicherweise selbstmörderischste Stunts großartig, aber sie werden nie so viel Spaß machen wie riesige Roboter oder ein Baby mit Superkräften.

Und da haben Sie es, die 10 besten animierten Actionfilme aller Zeiten oder zumindest ein Mixtape der größten Hits mit ein paar Killer-B-Seiten als Zugabe. Welche Filme würden Sie dieser Liste hinzufügen? Teilen Sie Ihre Favoriten in den Kommentaren!