Brice Marden, der in den 1960er Jahren die Malerei neu belebte, stirbt im Alter von 84 Jahren

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Als Konzeptkunst, Pop Art und minimalistische Skulptur auf dem Vormarsch waren und viele sagten, die Malerei sei tot, brachte Herr Marden eine kraftvolle Gegenerklärung ab.

Von William Grimes

Brice Marden, dessen elegante Verschmelzung von Minimalismus und abstraktem Expressionismus in den 1960er Jahren die Malerei wiederbelebte und ihn zu einem der am meisten bewunderten und einflussreichsten Künstler seiner Generation machte, starb am Donnerstag in seinem Haus in Tivoli, NY, im Dutchess County. Er war 84.

Die Ursache sei Krebs gewesen, sagte seine Frau Helen Marden in einer Erklärung.

Mitte der 1960er Jahre, als Konzeptkunst, Pop Art und minimalistische Skulptur auf dem Vormarsch waren und die Malerei von vielen Kritikern und Künstlern für tot erklärt wurde, brachte Herr Marden eine kraftvolle Gegendarstellung heraus.

Seine Gemälde, die erstmals 1966 in der Bykert Gallery in New York ausgestellt wurden, wirkten auf den ersten Blick unreduzierbar minimalistisch – ein einheitliches Farbfeld für jede Leinwand, in mehrdeutigen Grau- und Grüntönen, mit einem unbemalten, 2,5 cm breiten Streifen am unteren Rand, wo es tropft Farbe lief über. Bei näherer Betrachtung öffneten sich die matten Oberflächen, die durch eine Mischung aus Ölfarbe und verflüssigtem Bienenwachs erzielt wurden, und enthüllten komplizierte, mit Pinsel und Spachtel aufgetragene Strukturschichten, die seine Beschäftigung mit Meistern wie Zurbarán, Goya und Cézanne und seine völlige Ablehnung von Meistern wie Zurbarán, Goya und Cézanne widerspiegelten die unpersönliche Ästhetik des Konzeptualismus und Minimalismus.

„Es scheint, als ob, weil die frühen Gemälde nur eine Farbe hatten, man könnte sagen, eine Farbe, keine Gefühle – aber statt keiner Gefühle waren sie alle diese Gefühle“, sagte Herr Marden 1988 gegenüber der Zeitschrift Bomb. „Jede Schicht war eine Farbe war ein Gefühl, ein Gefühl, das sich auf das Gefühl, die Farbe, die Schicht darunter bezog. Eine Konzentration von Gefühlen in Schichten.“

Die kritische Resonanz war überwältigend und machte Herrn Marden bereits in seinen Zwanzigern zum Star der Kunstwelt. Als Hilton Kramer 1975 in der New York Times die Retrospektive seines Werks im Solomon R. Guggenheim Museum rezensierte, bezeichnete er Herrn Marden nicht nur als Maler, sondern als Leiter einer ganzen Schule.

„Die Kunstzeitschriften verfolgen seine Arbeit mit großer Aufmerksamkeit“, schrieb er. „Jüngere Maler, die gerade erst die Schule abgeschlossen haben, nehmen sein Werk zum Vorbild, so wie ihre Kollegen einst das von Willem de Kooning, Jasper Johns und Frank Stella.“

Herr Marden behielt diesen hohen Status während seiner gesamten Karriere bei. In seinen fünf „Grove Group“-Gemälden aus den frühen bis mittleren 1970er Jahren, inspiriert von den Olivenbäumen, die er bei seinen jährlichen Besuchen auf der griechischen Insel Hydra sah, führte er modulierte Grün-, Braun- und Schwarztöne in seine Leinwände ein; im lebhaften „Summer Table“ (1972-73) führte er pulsierende Blautöne und ein sengendes Gelb ein. „Nach einem Sommer in Griechenland hatte ich das Gefühl, dass das Licht intensiver, klarer und weniger getrübt sein sollte“, schrieb er 1973.

In den 1980er Jahren nahm Herr Marden eine dramatische neue Wendung. Nachdem er eine Ausstellung japanischer Kalligraphie gesehen und zum ersten Mal Asien besucht hatte, entwickelte er einen Stil, der auf chinesischer Kalligraphie basierte und Schleifen und Farbstränge zu Netzen aus überlappenden und kreuzenden Linien verwebte, die großformatige Leinwände bedeckten. Zunächst eckig, entwickelten sie sich zu geschwungenen, eleganten Farbbändern.

Die zwischen 1989 und 1991 entstandene Serie „Cold Mountain“, die auf den Zen-Gedichten des chinesischen Schriftstellers Han Shan basiert, verkörperte seinen neuen Ansatz, der asiatische Einflüsse mit dem linearen Werk von Künstlern wie Piet Mondrian und Jackson Pollock zu verbinden schien.

Wohin Herr Marden führte, folgten ihm sein Publikum und der Beifall der Kritiker. Im Jahr 2006 war er Gegenstand einer Karriere-Retrospektive im Museum of Modern Art, die seinem Status als bedeutender Künstler einen offiziellen Stempel verlieh. Er gehörte, wie das Wall Street Journal schrieb, „zu den wenigen lebenden Künstlern, die etabliert genug waren, um als Teil der Kunstgeschichte betrachtet zu werden.“ Peter Schjeldahl vom New Yorker nannte ihn „den tiefgründigsten abstrakten Maler der letzten vier Jahrzehnte“.

Nicholas Brice Marden Jr. wurde am 15. Oktober 1938 in Bronxville, NY, geboren und wuchs im nahegelegenen Briarcliff Manor auf. Sein Vater arbeitete für ein Hypothekenunternehmen. Seine Mutter, Kathryn (Fox) Marden, war Hausfrau.

Als Teenager machte er es auf die Seiten der New York Times, als er 5-Dollar-Anteile an sich selbst verkaufte, um eine Reise nach Texas zu finanzieren, und versprach, seinen Investoren Kapital und Zinsen zurückzuzahlen. Er kam reich an Erfahrung zurück, hatte aber nur 10 Dollar in der Tasche.

Als glanzloser Student schrieb er sich am Florida Southern College mit einem Interesse an Kunst ein, das von einem freundlichen Nachbarn gefördert wurde, der ihm ein Abonnement für Art News kaufte. Nach einem Jahr wechselte er an die Boston University, wo er Selbstporträts und Stillleben malte und 1961 einen BFA-Abschluss an der School of Fine and Applied Arts erwarb.

Während seines Aufenthalts in Boston tauchte er in die Folkmusikszene der Stadt ein und heiratete Pauline Baez, die ältere Schwester der Sängerin Joan Baez. Die Ehe endete mit einer Scheidung. Neben Helen Marden, seiner zweiten Frau, hinterlässt er einen Sohn aus erster Ehe, Nicholas; zwei Töchter aus seiner zweiten Ehe, Mirabelle und Melia Marden; eine jüngere Schwester, Mary Carroll Marden; und zwei Enkelkinder. Sein Bruder Michael starb 2010.

Während seines Besuchs der Sommerschule der Yale University in Norfolk, Connecticut, wagte sich Herr Marden an die abstrakte Malerei. Er verfolgte diesen Weg weiter an der Yale University School of Art, wo zu seinen Klassenkameraden die Maler Nancy Graves und Chuck Close sowie der Bildhauer Richard Serra gehörten . In Yale begann er mit einer gedämpften Palette zu arbeiten und schwor dem Rechteck die Treue, zu einer Zeit, als viele Maler, insbesondere Frank Stella, begannen, geformte Leinwände zu verwenden.

„Ich hatte vor allem bei den monochromatischen Gemälden die Idee, dass man genau die richtige Farbe für diese Form bekommen könnte, und wenn das stimmte, wenn man es wirklich richtig hinbekam – sagen wir, wenn man die absolute Korrektheit der Form hatte – weiß Gott wozu das Gemälde fähig war“, erzählte er Harry Cooper, einem Kurator an der National Gallery of Art in Washington, während eines Atelierbesuchs im Jahr 2009. Gleichzeitig beziehen sich viele seiner Titel, die sich auf Personen, Orte oder Ereignisse beziehen, beschwor eine Welt jenseits des Rahmens des Gemäldes.

Nach seinem Master-Abschluss in Bildender Kunst im Jahr 1963 zog Herr Marden nach New York. Er fand einen Teilzeitjob bei Chiron Press, einer Siebdruckerei, wo er am ersten „Love“-Plakat von Robert Indiana arbeitete. Er wurde als Wachmann im Jüdischen Museum angestellt, wo eine Ausstellung von Jasper Johns seine Vorstellungen von Berührung, Oberfläche und Abstraktion stark beeinflusste. Später arbeitete er als Studioassistent für Robert Rauschenberg.

Seine ersten monochromen Tafeln wurden 1964 am Swarthmore College und bald darauf in der Bykert Gallery ausgestellt. „Die Leute sagten, die Malerei sei tot. Und das war meine Denkweise: Nun, es gibt Dinge, die noch nicht getan wurden“, sagte er zu Herrn Cooper von der National Gallery.

1968 begann er, seine Tafeln zu zweit und dann zu dritt zusammenzufügen, wie im letzten Gemälde der „Grove Group“ und in der „Rot, Gelb, Blau“-Serie von 1974. Das monochromatische Gemälde erreichte eine Art Apotheose in der „ Verkündigung“-Serie von 1978, fünf dreiteilige Werke in Primärfarben, die auf die fünf Geisteszustände der Jungfrau Maria anspielen, nachdem ihr vom Erzengel Gabriel gesagt wurde, dass sie den Sohn Gottes gebären würde. John Russell von der New York Times nannte die Serie „einen der reichhaltigsten, klarsten und erfülltesten großen Entwürfe unseres Jahrhunderts“.

In den frühen 1980er Jahren, als Neoexpressionisten wie Julian Schnabel Turbulenzen und Dramatik in die Malerei brachten, begann Herr Marden, nach einer neuen Ausdrucksweise zu suchen. „Ich hatte das Gefühl, dass meine Arbeit einen Punkt erreicht hatte, an dem sie sich zu sehr mit der Verfeinerung eines Konzepts beschäftigte“, sagte er 1987 zu Art in America. In einem Interview mit der Zeitschrift Flash Art im Jahr 1990 sagte er, dass er vor dem „stillen kreativen Tod“ stehe .“

Eine lange Reise nach Sri Lanka und Indien weckte ein Interesse an den Künsten Asiens, das durch eine Ausstellung im Japan House und der Asia Society in New York mit dem Titel „Masters of Japanese Kalligraphie“ verstärkt wurde. Er begann mit einer Reihe von Gemälden und Zeichnungen, bei denen er einen langstieligen Pinsel oder lange Zweige verwendete, um gestische, kalligraphische Werke zu schaffen, die zum Markenzeichen seiner späteren Karriere wurden. Die Struktur der chinesischen Kalligraphie, sagte er Herrn Cooper, sei „im Grunde wie ein Gitter, also war sie nicht so weit von dem entfernt, was ich bereits tat.“

Die gerüstartigen Formen von Gemälden wie „Diptychon“ (1986) und „Ohne Titel Nr. 3“ (1986–87) mit ihren Anklängen an Cézanne und den Kubismus lösten sich in den Schleifenrhythmen der „Cold Mountain“-Serie, seiner größten Serie Werke bis heute, mit ihrem orchestrierten Gewirr aus Linien in Schwarz und Braun oder durchsetzungsstarken Primärfarben vor blassen Hintergründen.

In der „Red Rock“-Serie, die zwischen 2000 und 2002 entstand, verwendete Herr Marden leuchtende Farben, wie er es auch bei seiner „Grove Group“-Serie tat; Er vereinfachte auch seine Linien mit verblüffender Wirkung. Er verdoppelte sich und verfolgte den gleichen Ansatz bei einer Reihe von Werken mit sechs Tafeln in noch größerem Maßstab mit dem Titel „The Propitious Garden of Plane Image“.

Zusätzlich zu seinem Zuhause in Tivoli unterhielt Herr Marden Häuser und Ateliers in Manhattan; Eagles Mere, Pennsylvania; und Hydra. Im Jahr 2017 erfuhr er, dass er Krebs hatte, eine Diagnose, die weder seine Produktion noch seinen vollen Ausstellungsplan beeinträchtigte. Im nächsten Herbst wurde das fünfteilige „Moss Sutra With the Seasons“, an dem er fünf Jahre lang gearbeitet hatte, in einer eigenen Kapelle im Glenstone Museum in Potomac, Maryland, installiert. Es war der größte Auftrag seiner Karriere.

„Ich male, weil es meine Arbeit ist“, sagte Herr Marden 1976 dem Dokumentarfilmer Edgar B. Howard. „Und ich male, weil ich glaube, dass es die beste Art ist, meine Zeit als Mensch zu verbringen.“ Ich male für mich. Ich male für meine Frau. Und ich male für jeden, der bereit ist, es anzusehen.“

Maia Coleman trug zur Berichterstattung bei.